{"id":1282,"date":"2012-09-11T17:08:19","date_gmt":"2012-09-11T15:08:19","guid":{"rendered":"http:\/\/www.antoniocorbo.it\/?p=1282"},"modified":"2012-09-11T18:47:05","modified_gmt":"2012-09-11T16:47:05","slug":"gaia-salvatori-2","status":"publish","type":"post","link":"https:\/\/www.antoniocorbo.it\/en\/gaia-salvatori-2\/","title":{"rendered":"Gaia Salvatori"},"content":{"rendered":"

\"Le<\/a><\/p>\n

\n\t\t\t\t\t

Capita di accorgersi<\/h2>\n

Gaia Salvatori – Docente di Storia dell\u2019Arte Contemporanea della seconda Universit\u00e0 degli Studi di Napoli<\/em><\/p>\n

Capita di accorgersi che fuori dalla culla rassicurante dell\u2019amicizia, condita da sapori gustosi e calde atmosfere, ci siano altre poesie da scoprire; qualcosa di tenuto discretamente in disparte, ma vivo e ardente come la brace pronta a ridare anima al fuoco a un solo soffio di vento. \u00c8 ci\u00f2 che \u00e8 accaduto con Antonio Corbo, fra un sorriso e una stretta di mano.<\/p>\n

La corposa teoria di dipinti (legati fra loro da un filo sottile, anche se sciolto lentamente nel tempo) che mi si \u00e8 presentata nel corso di questa scoperta, mi ha rievocato qualcosa di familiare ma non ancora conosciuto che, ripescando nella memoria, mi ha riportato alla mente alcuni momenti pregnanti della storia dell\u2019arte del Novecento: Kate Kollwitz, Egon Schiele, Emil Nolde e poi Klee, Kupka, fino \u2013 incredibilmente \u2013 a Giulio Paolini.<\/p>\n

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L\u2019attitudine dello storico a stabilire confronti, ritrovare analogie, rimandi, interpretazioni e riprese \u2013 consapevoli o non, da parte degli artefici \u2013 pu\u00f2 risultare ridondante e deterministica quando ci si appresta a delineare solo dei tratti critici, ma \u00e8 forse una strada possibile per scoprire proprio lo spessore di una ricerca e persino le sue potenzialit\u00e0. \u201cTre volti ci guardano\u201d \u2013 dice il titolo di uno dei disegni a china della sua prima produzione risalente agli anni \u201960 \u2013 e non sono i soli. Molti anonimi ma incisivi \u201critratti\u201d di un\u2019umanit\u00e0 mortificata (dalla fame, dalla guerra, dalla povert\u00e0 o dalla solitudine) richiamano l\u2019attenzione dell\u2019osservatore quasi a pretenderne la partecipazione, la rinuncia all\u2019indifferenza, e \u201cci guardano\u201d ostentando \u201cDisperazione\u201d, \u201cAngoscia e rassegnazione\u201d o finanche esplicitamente \u201cGli orrori della guerra\u201d, come recitano altri forti e taglienti disegni di quella prima fase di sperimentazione del segno. Ci guardano, appunto, un po\u2019 come Giulio Paolini nel 1967 \u2013 con altri intenti, \u201cconcettuali\u201d e \u201cpoveristi\u201d \u2013 allorch\u00e9 ripropose la riproduzione di un ritratto del 1505 di Lorenzo Lotto in cui un giovane fissa negli occhi il suo stesso osservatore (ossia il pittore stesso) e rimanda \u2013 come \u00e8 stato scritto \u00aba un antico colloquio \u201ca quattr\u2019occhi\u201d in cui sia il pittore, sia l\u2019interlocutore sono spariti.<\/p>\n

Ma l\u2019osservatore rimane sempre, come un osservatore ideale illimitato\u00bb. Il modello, in sostanza, \u00abrifiuta la sua posizione di immobilit\u00e0 rispetto all\u2019artista e da \u201cosservato\u201d diventa \u201cosservatore\u201d attivo\u00bb (Mirolla, 2002). In quegli anni per\u00f2 per Corbo, impegnato socialmente e politicamente a far valere le ragioni della classe operaia e sensibile ad ascoltare la voce della sofferenza, contava piuttosto la \u201cpresenza\u201d concreta e umana dei dolori rappresentati in figura, fuori da ogni rimando concettuale. Un \u00abdolore universale\u00bb, forse \u2013 come qualcuno ha scritto commentando le prime esperienze del pittore molisano partecipe di collettive di artisti da intendere anche, per motivi di beneficenza, come \u201ccomunit\u00e0 allargate\u201d\u2013 che travalica specifiche contingenze, ma che non smette mai di denunciare miserie e sofferenze, solo in certi casi provocate da calamit\u00e0 naturali e il pi\u00f9 delle volte attribuibili ai mali della politica e della storia.\nFra gli anni \u201860 e \u201870 concentra, in sostanza, nel disegno e nella grafica tutta la carica accumulata dai toni marcatamente espressionistici che trova spazio, coerentemente, anche in una cospicua produzione applicata alla stampa di manifesti. Ma scopre anche soprattutto il paesaggio che rappresenta con ostinazione fino agli anni \u201890, portando i tratti grafici forti sempre pi\u00f9 verso la semplificazione degli elementi figurativi e ricorrendo ormai anche alla pittura, in scorci e tagli arditi e in trasfigurazioni immaginarie.\n\u00abIl pianto \u00e8 penetrato nella pietra\u00bb, scriveva in una sua poesia: campo nel quale parallelamente al disegno e ai dipinti a olio o ad acquerello, mette alla prova la sua sensibilit\u00e0.\nE \u00abfili di vita vissuta e fili di vite spezzate\u00bb si intrecciano con i giochi di linee dei \u00abcampi aperti al cielo\u00bb, raccordando inestricabilmente scrittura e pittura. Van Gogh disegnava e scriveva nello stesso tempo, intersecando, in tante sue pagine, tratto grafico e parola convinto che l\u2019uno e l\u2019altra \u2013 come scrisse esplicitamente \u2013 fossero alla stessa stregua \u201cinteressanti\u201d e \u201cdifficili\u201d. Una consapevolezza, evidentemente, propria di molti, poi, nel Novecento. Un connubio in cui confluiscono sogni, speranze, aneliti, preghiere, invocazioni.<\/p>\n

La presenza di alcuni quadri degli anni \u201890 alla mostra personale di Antonio Corbo, oggi aperta a Campobasso, aiuta a riallacciare \u201cfili\u201d e \u201clinee\u201d di allora con quelli di oggi, seppur in un orizzonte di ricerca totalmente cambiato. I nomi di Nolde e Klee, che avevo fatto all\u2019inizio, ritornano in aiuto per inconsapevoli reminiscenze, lontane risonanze, guardando \u201cAlba\u201d (1992) come anche \u201cPalude\u201d (2009), laddove si percepisce una sottile coniugazione fra colori e linee scandita da sovrapposizioni, sequenze, palinsesti, di impressioni e memoria da cui scaturiscono vortici ed esigenza di ordine e razionalizzazione nello stesso tempo. D\u2019altra parte \u201cAppartenenza\u201d e \u201cFotogrammi\u201d, appartenenti alla produzione gi\u00e0 dei primi anni del duemila, cos\u00ec come \u201cAlberi verdi\u201d e \u201cAlberi blu\u201d (2005), sono alle precedenti ricerche strettamente correlati. Ma c\u2019\u00e8 qualcosa di diverso che trapela e si fa strada, come la materia sul foglio, pi\u00f9 libera e autonoma accompagnata dai solchi che il suo stesso cammino segna. Gli alberi verdi e blu nascono per estensione della colatura del colore che scorre lentamente sulla superficie prendendo forma, come i grumi materici che, ora di nuovo vorticosamente, ora, e ancora, trovando pace nella struttura delle fasce geometriche vistosamente d\u2019oro o argento, si sviluppano in sovrapposizioni materiche per dare voce a un altro filone di interesse del pittore \u2013 nel quale si sta attualmente provando \u2013 quello della primordialit\u00e0 legata alla nascita dell\u2019universo e alle diverse forme di vita. Un andare all\u2019origine delle cose che mette alla prova la figurazione fino in certi casi ad annullarla e si affida, in chiave decisamente informale, alla materia e al segno nella loro travolgente autonomia. La figura cos\u00ec non \u00e8 pi\u00f9 un punto di partenza, ma un risultato, una scoperta, come nel \u201cCavallo\u201d che prende forma, appunto, grazie e in seguito all\u2019andamento della colatura accompagnata dalla mano sul foglio. Spesso il rimando figurale, naturale \u2013 che evidentemente non scompare mai dal quadro di riflessione di Corbo \u2013 \u00e8 soprattutto nel titolo. Forse allora di nuovo le forme del quadro \u201cci guardano\u201d e, in quanto osservatori, siamo chiamati a interrogarci sulla loro ragion d\u2019essere lasciandoci andare a diversi rimandi e connessioni. Mi sembra, in definitiva, di risentire i versi di una sua poesia che, dedicata a \u201cLa Parola\u201d, quasi come in una preghiera, supplica: \u00abServitevi di me, createmi, maltrattatemi nell\u2019uso. Componetemi sempre…\u00bb.\n\t\t\t\t<\/div>

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It sometimes happens<\/h2>\n

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that, outside of the familiar cradle of friendship, enriched with fine food and cosiness, a surprise emerges, from over the hills or out of the blue; something which had been modestly hidden, but which burns as the craze of a smouldering fire. This happened to me in the friendship with Antonio Corbo, between a smile and a handshake.\nThe consistent series of works (intimately linked by a thin thread that seems to vanish in the course of time) that I became acquainted with through this discovery, evoked something familiar in me, familiar but also unknown, and that can be traced back to the past, to crucial moments in the history of twentieth-century art: Kate Kollwitz, Egon Schiele, Emil Nolde and Paul Klee, Kupka, and \u2013 which is only apparently surprising \u2013 to Giulio Paolini.<\/p>\n

The tendence of a historian to draw comparisons, to find analogies, references, interpretations and recurring topics \u2013 consciously or not from the part of the artists \u2013 may appear artificial or excessively determining, when one just attempts to sketch some critical line, but it nonetheless opens a way to measure the depth and potentialities of a possible research.\n\u201cThree faces looking at us\u201d is the title of one of the drawings of Corbo\u2019s early production from the 1960s, and it is not the only one. Many anonymous but intriguing \u2018portraits\u2019 of a humilated mankind (by hunger, war or loneliness) ask for the attention of the beholder, or even for his compassion, and the setting back of indifference. And \u201cthey look at us\u201d with \u201cDesperation\u201d, \u201cFear and meekness\u201d, or even by showing explicitly \u201cThe horror of war\u201d, as other sharp and vigorous drawings from the first experimental period. Indeed, they look at us, nearly as did Giulio Paolini in 1967 \u2013 although with other \u201cconceptual\u201d and \u201cpoor\u201d intentions \u2013 when he presented the reproduction of a portrait by Lorenzo Lotto dated 1505, a painting where a young woman is fixing the beholder (or the artist himself) and which refers, as has been suggested, \u201cto an old conversation t\u00eate-\u00e0-t\u00eate in which both the painter and his partner are vanished.<\/p>\n

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But the beholder always remains, without any limit.\u201d In fact the model does not accept \u201cin front of the artist her motionless position and is being \u2018looked\u2019 at by an active beholder.\u201d (Mirolla, 2002) During these same years, however, Corbo was active in the trade unions, socially and politically engaged, and thus the concrete \u2018presence\u2019 of suffering overwhelmed any possible conceptual framework. A \u201cuniversal grief\u201d maybe \u2013 as has been hypothesized in a discussion of the early work of the painter, then active in collective exhibitions, which (organized mostly for the end of benefit) may be viewed as \u201clarger communities\u201d \u2013 that transcends the here and now, but which does not stop to denounce sorrow and suffering, sometimes caused by natural disasters, but for the most due to political and historical abuse.\nIn the 1960s and 1970s Cobo concentrates on expressionistic drawings and graphics, among which a large series of posters. But above all he discovers the landscape, working intensively on it till the 1990s. Gradually, the graphic signs are limited to purely figurative elements and painting presents itself, in audacious perspectives and effects, and in imaginary transfigurations.\n\u201cThe cry of sorrow has penetrated the rock\u201d, he wrote in one of his poems, an discipline in which Corbo, in addition to drawings, paintings and aquarelles, is testing his own sensibility. And \u201cthreads of intense life and threads of broken lifes\u201d are interwoven with the lines of \u201cfields under the sky\u201d, an encounter of literature and painting. Van Gogh was a painter and a writer, deliberatedly crossing graphic sign and painting, because he was convinced \u2013 as he stated \u2013 that both are equally \u201cinteresting\u201d and \u201cdifficult.\u201d A conviction, as is well known, that he shared with many twentieth-century artists. A coincidence of dreaming, hope, expectations, and prayer.\nThe presence of some paintings from the 1990s in this exhibition by Antonio Corbo allows us to connect the \u201cthreads\u201d and \u201clines\u201d of an early period with the present works, although in a radically changed context of research. The names of Nolde and Klee, that I mentioned at the outset, are again usefull for letting emerge inconscious references, far echoes. Looking at \u201cSunrise\u201d (1992) and \u201cMarshes\u201d (2009), the beholder perceives a subtile intermingling of colours and lines articulated by overlaps, series, palimpsests, by impressions and recollections, from which whirlpools emerge, as well the need of order and rationalisation. Yet, \u201cConnection\u201d and \u201cPhotograms\u201d, which date back to the production of the first years of this century, just like \u201cGreen trees\u201d an \u201cBlue tress\u201d, are strictly linked to earlier works. But something new emerges and forces its way, that is, the matter on the sheet, unbound and autonomous, accompanied by the clefts that it traces in its own course. The green and blue trees arise by the filtering flowering of the colour which runs on the surface and assumes its form, like grains of matter that develop intertwined either in whirlwinds, or in effusive golden and silver geometric lanes, ventilating a new interest of the painter, on which he concentrates now, that is, the origin of the universe and of the several forms of life. A return to the origin of things that puts to the test figurative representation, sometimes nullifying the latter, and that, in a totally informal way, entrusts itself to matter and to signs, in their surprising autonomy.\nThus, shape is no longer a point of departure, but a result, a discovery, like in \u201cHorse\u201d, where the subject assumes form due to and as a consequence of the course of the hand-guided absorbing of colour by the sheet. Often the figurative, natural reference \u2013 which apparently never vanishes from Corbo\u2019s frame of thought \u2013 is mainly present in the title. Perhaps the forms of the painting \u201care again looking at us\u201d, and, as beholders we are invited to reflect on their right of existence, through several references and connections. By way of conclusion, I seem to hear the verses of one of his poems, dedicated to \u201cThe Verb\u201d, where he implores, almost like in a prayer: \u201cUse me, create me, batter me in the use. But always compose with me . . . .\u201d<\/p>\n

Gaia Salvatori\n\t\t\t\t<\/div>

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